人类首次登月40周年之际，美国媒体本大可张灯结彩，然而第一位报道登月消息的克朗凯特于此时的辞世却让美国媒体沉浸一片肃穆中。他为电视新闻确立了说事实的准则，成为美国人最信任的人。他有一句名言：“没有对真相的追求[…]，再多的信息也只能是没有光亮的隧道。”但愿他的精神被更多新闻人继承，照亮这依旧黑暗的隧道。
克朗凯特生前供职的 CBS 电视台以 CBS Remembers Walter Cronkite 深情缅怀这位新闻界的传奇人物。Discovery 频道也撰文纪念这位退休后专注于科教文卫纪录片工作的新闻主持人，称他是灯塔式的人物（towering figure）。
今天，2009年4月6日，著名作曲家、指挥家与钢琴家安德烈·普列文（André Previn）迎来自己的80寿辰。
为贺普列文大寿，EMI Classics本月发行了普列文1970-1980年间与伦敦交响乐团录制的10CD乐队作品，曲目涵盖了巴伯、布里顿、德彪西、埃尔加、格什温、霍尔斯特、梅西安、拉赫玛尼诺夫、普罗柯菲耶夫、拉威尔、肖斯塔克维奇、柴可夫斯基、沃恩-威廉姆斯与瓦尔顿等人的作品。早前一月，DG公司发行了普列文6CD精选集，包括他指挥以及本人创作的曲目，其中包括他2007年首演的新作——为小提琴、低音提琴与乐队而作的协奏曲。这部作品是受波士顿交响乐团委约而作的，与2007年4月由小提琴家穆特、低音提琴演奏家帕特卡罗在作曲家本人指挥波士顿交响乐团伴奏家首演于美国。这也是该部作品的首次发行录音。
普列文是当今世界最活跃的音乐艺术家之一。早年指挥生涯异常繁忙而辉煌，是最早的“喷气飞机艺术家”（Jet Artist）。上世纪60年代起为EMI Classics，DG，Telarc等知名古典音乐厂牌留下大量录音。他是也是少见的同时在爵士演奏和古典领域都颇有建树的钢琴演奏家。作曲方面也是极为多产，谱写了大量电影配乐、协奏曲、器乐独奏、乐队作品、歌曲和歌剧作品。
在门德尔松200周岁生日当天晚上8点，门德尔松曾长期担任指挥的莱比锡布商大厦乐团在莱比锡布商大厦举行了纪念音乐会。曲目包括号角序曲、第一钢琴协奏曲和第三交响曲“苏格兰”。指挥为现任乐团艺术总监夏伊（Riccardo Chailly），钢琴独奏郎朗。
这台音乐会在2月8日晚上由上海艺术人文频道播出实况录像。
Felix Mendelssohn-Bartholdy
Ouvertüre C-Dur op. 101 („Trompeten-Ouvertüre”)
Konzert für Klavier und Orchester Nr.1 g-Moll op. 25 (Lang Lang, Klav)
Sinfonie Nr.3 a-Moll op. 56 („Schottische”)
Gewandhausorchester, Leipzig
Riccardo Chailly
2008年2月3日是19世纪早期德国作曲家门德尔松诞辰200周年纪念。
门德尔松（Mendelssohn-Bartholdy, Felix [1809 - 1847]）出生于德国汉堡，父亲是银行家，祖父是著名犹太思想家。他的附加姓Bartholdy是他皈依基督教时加上去的。出生后不久，门德尔松一家迁居柏林，作曲家在那里成长。最早门德尔松由于其对巴赫作品的诠释而获得公众的关注。1830年前前期，门德尔松游学于意大利、英国、苏格兰、威尔士等地。之后他定居莱比锡，担任莱比锡步商大厦管弦乐团的指挥，并在那里创办了莱比锡音乐学院。1847年逝世于莱比锡。
门德尔松是一位早熟而单产的音乐家，在作曲、指挥和钢琴演奏方面都多有建树。他的作品承袭了古典时期曲式结构的特点，又引领着晚期浪漫主义音乐的风气。在指挥方面，门德尔松的最大贡献在于成功挖掘了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的作品，使其作品此后广为流传。
主要作品
乐队作品
门德尔松共创作了5首交响曲，还有12首很吸引人的弦乐交响曲（完成于14岁）。第二交响曲中模仿贝多芬第九交响曲引入了合唱。比较成熟的第三、第四交响曲分别反映了门德尔松在苏格兰和意大利的游历。第五交响曲“宗教改革”是为纪念《奥格斯堡信纲》300周年而作的。
序曲
门德尔松创作了大量的音乐会序曲，包括1826序曲、仲夏夜之梦、芬格尔山洞等。
协奏曲
最知名的要属门德尔松的E小调小提琴协奏曲了。还有两部钢琴协奏曲，分别作于1831年和1837年。早年还有一部D小调小提琴协奏曲，没有编入作曲家作品目录中。
室内乐
门德尔松10岁就开始创作室内乐，其中最能体现门德尔松才华的便是弦乐八重奏。早年的才华也能在弦乐六重奏中体现出来。此外还有2部弦乐五重奏和6手弦乐四重奏。晚期的两首钢琴三重奏也是门德尔松代表作。
身兼小提琴家和钢琴家的门德尔松还写过两首小提琴奏鸣曲，其中没有编号F大调奏鸣曲反而更有名。另有两首大提琴奏鸣曲和为大提琴和钢琴而作的无词歌现已成为大提琴文献中的重要作品。
钢琴作品
进入19世纪之后，钢琴逐渐成为上流家庭中不可获缺的陈设。随着钢琴制造技术的更新和进步，钢琴的演奏技法和表现效果也大为改观。短小的钢琴作品变得越来越有市场，这类作品中当然少不了门德尔松的8卷无词歌，这些无词歌短小精悍，每一首都像一篇构思巧妙、耐人寻味的微型小说。
舞台音乐
仲夏夜之梦无疑是其中最有名，在歌剧领域，门德尔松的尝试未能流传下来。
声乐、合唱作品及其他
门德尔松为教堂创作了相当数量的合唱作品。最有名的可能要数“聆听我的祈祷”，已经成为童声合唱的经典曲目。他的伊利亚也是最为流行的大型合唱作品。此外还有一些声乐套曲作品。门德尔松一生都致力于声乐作品的创作，他的最后一首歌曲写于1847年。
管风琴独奏作品也是门德尔松的一大创作领域，成为当代管风琴家录音的必选曲目。
2008年4月5日是指挥家卡拉扬诞辰一百周年的日子。没有人能像卡拉扬一扬毫无疑问在任何时候被人们尊为最伟大的指挥家。作为一个伟人，卡拉扬在今天这个反权威的时代也一再的被证明他人性的诸多弱点和他的平凡。但相信我，不管怎样，卡拉扬仍然是一个值得铭记的人。
我不想为卡拉扬写些什么微型传记，关于他的传记可能有很多版本，你能从各种渠道获得。我只是想罗列一些关键词和大家分享卡拉扬一生的部分、部分。
完美的形象
卡拉扬绝对是古典音乐进入工业化时代后第一个以电影明星的形象要求自己的艺术家。他对所有事情的完美主义态度一样延续到他自己个人的形象上。目前广泛流传于世的各种卡拉扬的宣传画、海报、唱片册中的照片都是经过卡拉扬严格筛选的。每一幅都记录了卡拉扬最完美的音乐瞬间。甚至卡拉扬的在音乐会的现场也始终保持这种形象，你决不会有机会在任何合法发行的录像中找到卡拉扬凌乱的头发或者某个不自然的小动作。
今天这种形象包装被唱片公司用到每一个艺术家身上，最典型的就是卡拉扬晚年重视的追随者：穆特。她对于每一张专辑的照片的拍摄几乎都是精心策划。所使用的晚礼服从颜色到一些小细节都要求繁多。
技术狂
一些企图神化卡拉扬的卡迷常把卡拉扬当作万能的神来赞美——比如卡拉扬是一位精通录音的工程师，他会亲自调整录音的音色，他亲自设计了柏林爱乐大厅……当然这些传言都是不着边际的。但卡拉扬的确是一位新科技的狂热爱好者，这和他的工科背景有着很大的关系（卡拉扬本来要做一位机械师）。这也就是为什么卡拉扬对他最钟爱的核心曲目——贝多芬的9部交响曲留下那么多套录音的原因。50年代的第一套录音录制于他战后事业的恢复阶段，是单声道。进入到立体声的初期：60年代，刚刚掌握柏林爱乐大权卡拉扬迫不及待地要求唱片公司伟大录制了立体声版贝多芬交响曲全集。当多话筒拾音的模拟录音技术在70年代进入成熟时期后，卡拉扬三进录音棚搞定自己最成功的一套贝多芬。80年代CD和数字录音面试后，卡拉扬留下了他最后的一套贝多芬。如果卡拉扬如今已然健在，我想他一定会要求唱片公司为他在录制DSD录音的SACD版本的。
同样的情况也发生在勃拉姆斯和理查德·斯特劳斯等卡拉扬热衷的作曲家作品上，卡拉扬对于录音技术的每一次进步都感到振奋，他对录音的制作要求极为严格，虽然他不会自己去调整设备，但他绝对会对录音师下命令，一定要达到他满意的效果为止。而柏林爱乐大厅这个全世界最富盛名的音乐五角大马戏棚也融入了卡拉扬的意志，在当时并没有什么著名音乐厅采取环岛的结构，这个大厅可算是前卫了。
交通工具
卡拉扬的CD中有一套特别让我着迷——"Karajan Collection"，其原因是封面记录了他不为人知的生活场景。除去和家人、宠物以及独自散步沉思的照片外，有四幅是关于他驾驶各种交通工具的，骑摩托车、开飞机、驾驶保时捷911 Turbo和操控帆船。卡拉扬对技术的狂热爱好很自然的延续到他对各种融会各种先进技术的交通工具中。在汽车中他尤其偏爱保时捷，他酷爱驾驶保时捷最危险的车型550 Spyder，后来又垂涎于Turbo的强大动力。穆特受他影响也喜欢开快车，卡拉扬自然非常高兴地通过内部关系为穆特争取到买保时捷的机会——保时捷在当时可是非常紧俏的。
顺便提一句，即使在劲风中骑摩托车，卡拉扬的头发仍然毫不列外地保持造型。
财富
卡拉扬的遗产中注明有5亿马克遗产，卡拉扬被一些媒体估计为比尔·盖茨之前靠卖光碟赚钱最多的人。
卡拉扬为自己、为乐队、为与他合作的独奏家争取丰厚的报酬决不手软。《谁谋杀了古典音乐》一书认为大牌明星过高的报酬是音乐市场恶化的一大元凶，如此说来，卡拉扬绝对可算是这方面的终极杀手了。
若干个女人
卡拉扬的第二任妻子是法国名模，19岁时嫁给当时50岁的卡拉扬。
穆特被认为是卡拉扬音乐精神的继承者，目前稳坐世界小提琴家头把交椅。
梅耶是目前公认的世界最优秀的单簧管演奏家，84年卡拉扬为了把她引进到柏林爱乐中差点和柏林爱乐闹翻，最终以梅耶的退出和卡拉扬的妥协告终。此事件让卡拉扬彻底寒心，他黯然神伤地对这被柏林爱乐辞退的（自然是他非常信赖的）乐队经理说：“这不再是我的乐队了。”去世前一年，卡拉扬主动结束了他与柏林爱乐的终生合同。
韩国女高音周淑眉是卡拉扬晚年最喜欢的女高音新秀，卡拉扬像孙女一样疼爱他。在一次宴会上，周提出想摸一下卡拉扬的头发，因为她觉得卡拉扬的头发非常柔软，在场的人无不惊讶，而更让人惊讶的是卡拉扬居然同意她的要求。
其他指挥和卡拉扬
卡拉扬受到了托斯卡尼尼的启蒙。
富特文格勒不喜欢他，以至于在富特文格勒统领柏林爱乐期间，卡拉扬没有机会染指这个他梦寐以求的乐队。另外富特文格勒都不愿叫他名字，而是说K。
切利比拉赫是卡拉扬的死对头，和他竞争过柏林爱乐的艺术总监一职，两人的艺术理念完全不同。比如卡拉扬在一些曲目上追求火爆刺激，而切利比拉赫始终慢得让人发疯。卡拉扬是录音框，而切氏最憎恶录音——“这是让人变得郁郁寡欢和限制人们交际的东西”。
伯姆是卡拉扬很尊敬的老前辈，他特别赞赏伯姆的无为而治，他自己也是这样做的，更看重排练——区别在于，伯姆排练完后，音乐会上几乎只是按动启动按钮让乐队开始，接着什么也不干；而卡拉扬接着开始自己表演。
小克莱巴（C.Kleiber）是卡拉扬最赞赏指挥（他可能还在庆幸克莱巴同时也是一个很懒惰的指挥）。他们的书信交流是这样互相称呼的：“莫尼黑的大师”，“萨尔茨堡的大师”——堪称自恋和肉麻。
纳粹
卡拉扬加入过纳粹党，而且并非被迫，完全出于自愿，准确地说是出于事业的野心。
在这个反权威的时代，人们应该习惯于接受一个一眼能看到缺点的榜样。
理查·斯特劳斯
某种程度上我认为这才是卡拉扬真正热衷的作曲家，在这个领域卡拉扬的权威至今无可辩驳。理查·斯特劳斯自嘲为最优秀的二流作曲家，卡拉扬是否也是最优秀的二流指挥家？
鹰
“我死后会变成一只鹰。”——卡拉扬如是说。
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恩斯特·冯·西门子音乐艺术奖将于今年4月在德国颁发给小提琴家安呢-索菲·穆特（Anne-Sophie Mutter），穆特的名字又一次与布里顿、梅西安、迪蒂耶、布列兹、卡拉扬、波里尼、罗斯特罗波维奇等这些显赫的伟大音乐家并列。她也是第一位获此殊荣的女性。 |
历届恩斯特·冯·西门子音乐艺术奖得主
1974 Benjamin Britten (1913-1976) composer, conductor, piano 1975 Olivier Messiaen (1908-1992) composer 1976 Mstislav Rostropovich (1927-2007) cello, conductor 1977 Herbert von Karajan (1908-1989) conductor 1978 Rudolf Serkin (1903-1991) piano 1979 Pierre Boulez (1925) conductor, composer 1980 Dietrich Fischer-Dieskau (1925) vocalist 1981 Elliott Carter (1908) composer 1982 Gidon Kremer (1947) violin 1983 Witold Lutoslawski (1913-1994) composer 1984 Yehudi Menuhin (1916-1999) violin 1985 Andrés Segovia (1893-1987) guitar 1986 Karlheinz Stockhausen (1928-2007) composer 1987 Leonard Bernstein (1918-1990) conductor, composer 1988 Peter Schreier (1935) vocalist 1989 Luciano Berio (1925) composer 1990 Hans Werner Henze (1926) composer 1991 Heinz Holliger (1939) composer 1992 H. C. Robbins Landon (1926) composer 1993 György Ligeti (1923-2006) composer 1994 Claudio Abbado (1933) conductor 1995 Harrison Birtwistle (1934) composer 1996 Maurizio Pollini (1942) piano 1997 Helmut Lachenmann (1935) composer 1998 György Kurtág (1926) composer 1999 Arditti Quartett 2000 Mauricio Kagel (1931) composer 2001 Reinhold Brinkmann (1934) musicologist 2002 Nikolaus Harnoncourt (1929) conductor 2003 Wolfgang Rihm (1952) composer 2004 Alfred Brendel (1931) piano 2005 Henri Dutilleux (1916) composer 2006 Daniel Barenboim (1942) conductor 2007 Brian Ferneyhough (1943) composer 2008 Anne-Sophie Mutter violin
在LSO Live陆续发行海廷克和LSO（伦敦交响乐团）合作现场录制的贝多芬9部交响曲之后，最近LSO Live发行了豪华包装的全集版。此次发行的全集采用纸质包装，内附撰写得非常得体的全部曲目的介绍材料，并附有三种语言版本。全集只有SACD版本，总共6张，售价仅为30英镑，而此前单张SACD的定价为9英镑。|
安妮-索菲·穆特的“莫扎特计划”确实是雄心勃勃。她的目标：全面展现莫扎特为小提琴独奏而创作的伟大作品。前两部分——小提琴协奏曲和交响协奏曲与钢琴三重奏选——甚至登上德国流行音乐排行榜的30强。最后一个部分，成熟期的小提琴奏鸣曲，钢琴家兰伯特·奥尔基斯参加录音，将由德意志留声机唱片公司于八月在她歌颂和纪念“永远的莫扎特”期间出版发行。但同时还有另一个纪念日将要庆祝：安妮-索菲·穆特在琉森首演30周年。在今年的卢塞恩音乐节上，穆特和兰贝特将演奏他们之前在世界范围巡回演出上的莫扎特小提琴奏鸣曲。在下面的对话中，维也纳评论家瓦尔特·多卜纳（Walter Dobner）与女小提琴家谈论了这些作品——安妮-索菲·穆特的“莫扎特计划”中要求最高和最难的部分。﹙南德日报﹚
 说只有一小部分有点夸张。我选择的奏鸣曲都是伟大的作品。我对早期的作品从不感兴趣，因为正如海顿的作品那样，只有右手在给小提琴伴奏。还有较多钢琴奏鸣曲，它们后来被改编为小提琴奏鸣曲。我想，我们选出的十六首奏鸣曲已经覆盖了这个成熟作曲家的三个重要创作期：曼海姆时期和莫扎特在维也纳的两个阶段。我说这些并不是想要证明我录制了莫扎特所有的小提琴和钢琴作品。这种界定的标准是我个人认为重要的作品，它们是莫扎特乐曲创作的主要部分。
每一个音乐家都有个人的偏爱，比如对这首或者那首协奏曲的偏爱。我认为，许多奏鸣曲不常被演奏并不仅仅和小提琴家的虚荣心有关。这往往是对室内乐缺乏兴趣所致，室内乐被印在全部演出节目单右边或左边的狭长位置。这种情况在其他地方也有，比如贝多芬的奏鸣曲：从30号作品起人们演奏C小调奏鸣曲，其他两首根本不予考虑。人们不喜欢演奏作品23号，而宁愿作品24号《春天奏鸣曲》，虽然它在前面那首暗淡而又撕裂的奏鸣曲的衬托下才能发出光辉。所以莫扎特的这一系列作品对我来说非常重要。虽然和贝多芬比起来在时间顺序上并不那么重要，但是对于观察这种发展是如何进行的——从第一首曼海姆奏鸣曲到他为Regina Strinasacchi所写的最后一首——还是非常奇妙的。
我从三个创作时期——曼海姆时期、在维也纳的中期和晚期——挑选了这些最重要的作品，并且试着编排，使其在音乐上是有意义的，并且从演奏技巧的角度来看也足以应付。比如人们永远不会在音乐会的开场就演奏K.378，这完全是自杀。选择开场曲目，也许以军乐或者类似的主题开场比较好，它们很率直，很外向。更内敛的作品应该安排在中间。还有一个问题，要确保每一场音乐会都能使这些作品自成一体，体现出莫扎特作曲连贯的发展趋势，每一场音乐会最后的奏鸣曲都要表现出创作的高峰。
 我一直都非常热爱莫扎特，我是作曲家彻彻底底的崇拜者。可能正因为如此，我也自然而然地想到要认识一下早期的作品——那些所谓的“小”奏鸣曲，为的是更多地学习作为作曲家的他并且使自己作为莫扎特演奏者进一步从中获益。这些作品都很不容易。莫扎特作品常有这样的特点，即在一段非常优美悲戚的旋律之后，要求立即从那种状态中跳出来，突然向前连翻三个跟斗。而且莫扎特的音乐听上去决不能仅仅是炫技的，莫扎特的音乐不局限于音乐本身。尽管莫扎特自己的技巧过人，惊人的技巧总是这样被包在礼貌、雅致和艺术表现之中。有时候乐谱上就可能体现出对最细微差别和少量音符的要求，比在柴可夫斯基作品里的更加困难。虽然这种表述很糟糕，但是在那里人们马上可以切换到自动驾驶——当那些像变戏法似的从稀薄的空气中出来时你无法想象那种乐趣。但在莫扎特那里，一个音符也不能这样出去，即使速度很快也不能像在比赛一样，而且同时你必须仍然能够掌控全局。
那只不过当时人们的一种表达形式。实际上这些作品被称作“为小提琴和钢琴而作的奏鸣曲”或者还是倒过来无关紧要。处在第一位的既不是小提琴，也不是钢琴。总体上没有这种相互作用的室内乐是不存在的。问题并不在于谁有更多的音符或者水的部分更加重要。最后，即使在维也纳中期作品中旋律主体也已经完全平等地分配到两种乐器中。我觉得令人惊异的是，在晚期的奏鸣曲中小提琴与钢琴一起在中间承接了一个主体，然后又把这个主题交回给钢琴。莫扎特在奏鸣曲K.454成功实践了这一做法。我们不应该把注意力集中在表面上：诸如谁先出场，谁有更多音符？这本身就是伟大的室内乐，它要求两位音乐家极尽所能互相倾听并且互相坦诚。►►►
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←穆特与奥尔基斯已经合作了18年，事实证明他们默契无间，都是专注的室内乐演奏大师。 |
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当然，他把那些作品献给了Auernhammer小姐，目光盯住的是那个富裕的父亲，他关注的并不是她的长相或者她的钢琴技艺。把这些奏鸣曲献给这个相对没有经验的女学生只是权益之计。莫扎特并不仅仅考虑作品被题献者的能力，他更加是为自己创作。所以我想被题献者是否有能力演奏对他可能没什么关系——不过，他为Strinasacchi所写的奏鸣曲K.454 或许是个例外。
在一些奏鸣曲中有非常复杂的段落，这一点小提琴家是非常清楚的。在降E 大调奏鸣曲K.380中，就有一些明显非常棘手的片断。奏鸣曲无一例外地要求很高。对于我来说，莫扎特音乐中的困难之处并不在某些段落上，而是，比如说，在回旋曲方面，我们以降E 大调奏鸣曲的回旋为例：你停顿多少个弱起小节，还是根本不停顿它？分句是个很大的问题，同时也是莫扎特音乐的秘诀。对于我来说，奏鸣曲就是一个小的歌剧场景。如果人们看那些书信，他的手迹——常常会在圈子里晕头转向。这其实已经是一件值得观赏的小艺术品。引人注目的是在那些信中还有关于舞台的描绘。奏鸣曲对我来说有很多可讲述的东西。莫扎特从来没有离开过歌剧舞台，也从来停止过室内乐的创作。由此我们回到分句，回到这些如此小的细节，例如弱起小节或者乐句的结尾。恰恰是舞蹈节奏的弱起小节更令人难以置信的重要，对我来说，这里是必须研究的全部领域，这关系到必须被强调的音乐的结构。
那是一个里程碑。在所有的奏鸣曲中，除K.304外，这是我最喜欢的一首，因为在这个作品中达到了如此高超的技巧。在著名的行板中，小提琴和钢琴如此艺术性地交织在一起，以至于演奏着自己谁都没有发觉，什么时候谁先说出了另一个想说的话，而这时候两个声音已经融合在一起。这首奏鸣曲让人兴奋不已。然后还有这个结尾的快板！这部作品有着无以伦比的深度。
2006年5月
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